En mi Facebook Page está vigente la convokatoria para esta nueva serie. Todas las chicas que quieran ser retratadas GRATIS, revisen la información y envíen sus fotos.

Retratos vectoriales POP-ART / 100% Adobe Illustrator.

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El proceso inicial del retrato parte de la foto referencial. En este caso una foto impresa de Paula. Usando esa foto, realizo varios ejercicios de sintesis, a lápiz (si, nada de filtros), luego cuando ya he logrado el nivel de síntesis que estaba buscando -a mi estilo-, escaneo el sketch y lo coloco como capa template en Adobe Illustrator (figura 1).

El siguiente paso es comenzar a re-dibujar sobre mis lápices las formas base de color plano (figura 2), y a la par, armar mi paleta de colores: 3 tonos azules y 3 rojos para el cabello, 8 tonos para la piel y 4 tonos para la ropa y 7 para la bandana.

Luego de tener los colores planos definidos, según mi sketch (figura 3), comienzo a suavizar las formas, en algunos casos aplicando un degradé simple y en otros casos aplicando un Opacity Mask mezclando con algo de Gradient Mesh en máscara (figura 4). Si comparan estas dos nuevas vistas y el arte final con el sketch verán que Paulita tiene un piercing en la nariz. Detalle que dejé para el final, para ver si era necesario o no incluirlo, y que finalmente descarté. Y es que el tema de la ilustración no es calcar, sino interpretar y saber aplicar el criterio para decidir qué elementos van, cuáles salen e incluso, a veces se me puede ocurrir poner algún elemento que no estaba en la imagen referencial.

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Una vez con todos los detalles del retrato listos, paso a trabajar la bandana usando valores casi consecutivos (sin mucha separación tonal entre sí) para la parte clara y las sombras las defino usando 3 tonos más separados entre sí de un gris cálido oscuro. Los acentos (diseño sobre la tela de la bandana) los manejo con 3 tonos de gris frío bastante separados entre sí (clave alta, clave media y clave baja). Finalmente dejo la ilustración en Outline Preview para revisar mentalmente la estructura de las formas, el movimiento de la línea y que todo esté ok.

Una vez terminado el retrato, procedo a realizar la composición de fondo, mezclando Vector Packs que se encuentran por todo internet, mi colección personal de vectores que he realizado en ratos libres, y alguno de la colección GoMedia Arsenal. Como siempre digo, la diferencia de usar vector packs con el resto de gente que lo hace, es el tema compositivo, no es cuestión de colocar los elementos “donde caigan” sino de saber componer en base al mismo movimiento, al concepto de la ilustración y a reglas tan simples como fundamentos visuales.

Fui invitado para hablar sobre la ilustración profesional junto a otros dos grandes profesionales del medio: SEF (graffiti) y Marco Escobedo (fotografía y composición digital). Los temas que se trataron giraron en torno a las DIFERENTES FORMAS DE VER LAS ARTES GRÁFICAS.

Esta mesa redonda tuvo dos partes: En primer lugar cada uno de los exponentes hablamos sobre nuestra experiencia al afrontar el mercado laboral como profesionales,  y el éxito y reconocimiento que hemos logrado a través de los años, luego explicamos brevemente algunos ejemplos de trabajos describiendo las técnicas utilizadas y finalmente dejar que el público asistente nos hagan las preguntas que quisieran.

Como profesional /artista gráfico de casi diez años de trayectoria en lo que refiere a ilustración (y diseño gráfico / web), compartí con los asistentes, que en su mayoría eran alumnos, algunos egresados y profesores de la carrera de Dirección de Artes Gráficas y Publicitarias, tanto mi experiencia laboral independiente como las técnicas y procesos que empleo al manejar un proyecto.

A continuación he tratado de recordar / resumir un poco lo expuesto:

La idea que tenía ante, durante y después de realizar mis estudios.
Cuando opté por seguir la carrera de Artes Gráfikas Publicitarias, tenía bien clara la idea de dedicarme a la ilustración. En medio de la carrera tenía pensado fusionar ambas cosas, trabajando mis diseños con texturas que luego serían parte de mi estilo personal. Al egresar mi idea era seguir puliendo mi estilo y lograr que sea reconocido a modo de firma, de la misma manera sucedió paralelamente con la ilustración.

¿Qué encontraste al salir y comenzar a trabajar?
Al salir y comenzar a trabajar encontré que por más que la rompas en algo, siempre pagas derecho de piso, en mi caso que mientras trabajaba en estudios de publicidad o empresas de soluciones multimedia y web, nunca dejaba de lado mis freelo (trabajos independientes) y era no solo lidiar con la presión del trabajo fijo, sino cumplir con la mejor calidad posible los trabajos independientes, y a la vez, educar a los clientes con respecto al orden en el trabajo, al sistema que uno mismo va desarrollando conforme aprende nuevas cosas en el camino. También encontré bastante competencia, y un especial hermetismo con respecto a los precios y precisamente eso: la duda de no saber cuánto cobrar, porque una de las cosas que siempre enfatizo cuando se trata este tema es que es importante hacer valer nuestro trabajo y marcar una diferencia con el resto que compense nuestras tarifas.

¿Cómo te perfilaste por la ilustración?
La onda por la ilustración la tuve clara desde muy pekeño, mi familia puede sustentarlo en la cantidad de veces que rekerían de pintores para cubrir mis incipientes gráfikas rupestres principalmente en las paredes de la sala y comedor de mi casa y sin que haga excepciones en toda pared del segundo piso.

Luego tenemos otro escenario que terminó por definirme: Mi viejo tenía a comienzos de los ochenta una cadena de ferreterías y cada vez que me recogían del nido, me dejaban en una de las tiendas para esperar a regresar a casa para almorzar; como toda empresa, habían veces en que mi viejo tenía ke kedarse de más y me dejaban esperando en la zona administrativa -llámese también almacén- que para agrado mío el lugar andaba siempre repleto de comics (en ese entonces mal-llamados “chistes”), de un momento a otro, comencé a copiar y repetir los dibujos fáciles y luego fui evolucionando -y perfeccionando- haciendo copia de los más difíciles y detallosos. Así es como terminé por lograr un buen nivel de destreza, y al mismo tiempo, desarrollé -sin darme cuenta- la capacidad de síntesis que hoy en dia es uno de mis fuertes en mis ilustraciones y es parte crucial para identifikar mi estilo.
Nota: Esta anécdota ya medio mundo debe saberla pero era imprescindible que la contara en la mesa redonda. Y si ya la sabías y piensas que pude evitarte leer todo ese párrafo sin advertirlo con -al menos- un aviso, pues ya lo hiciste, ¿no?

Luego, es de suponer que me destaqué en el colegio en todo lo ke era dibujo / pintura y desde los 12 años tenía la meta bien clara: ser un profesional en el tema.

¿Qué tipo de profesionales pide el Mercado?
Profesionales que sean creativos y rápidos, que brinden soluciones efectivas y que dominen el tema. Profesionales que no se duerman en sus laureles y siempre estén investigando / actualizándose.

Sugerencias para los que estudian DAGP, tanto para ellos como para la Escuela.
Que nunca dejen de investigar, uno siempre sigue aprendiendo y lo mejor en este momento es sacarle el jugo a sus profesores y sobretodo no engañarse y tener claro lo ke kieran hacer cuando egresen y luego de eso.

Argumento del cuento

Esta vez viajamos en el tiempo a la tierra de los Nasca, viendolos construir sus famosas líneas y caminamos a través de los muros del templo piramidal de Cahuachi, junto a Achiq y la máscara dorada en un viaje mágico a través del desierto y sus espíritus.

El proceso creativo

De la misma manera que con el cuento de Machu Picchu de dioses y hombres, comenzó con un trabajo de reconocimiento e investigación en el lugar arqueológico.

Es así que a fines de agosto de este año (2009) hice un viaje a la ciudadela de Caral, recogiendo toda la información posible para poder trabajar los personajes y entender cómo funcionaban en el contexto geográfico.

El proceso de desarrollo gráfico me mantuvo ocupado desde comienzos de setiembre hasta la quincena del mes de octubre en que se entregaron los artes finales.

El trabajo gráfico fue bastante similar al anterior cuento, a excepción que debía sintetizar un mayor número de objetos y algunas escenas se suprimieron o fueron cambiadas, siempre a favor de la historia central del libro impreso.

Este cuento ilustrado puede conseguirse contactando al Patronato Lima Tours.

Los dejo con algunas imágenes y algunos gráficos originales con sus respectivos sketches (bocetos).

Por mi lado, a seguir con la chamba que no he parado desde Julio y tengo para largo hasta fin de año.

¡Saludos a todos!

Ficha técnica

Caral: aventuras en la ciudad sagrada.
ISBN: 978-612-45614-1-2
Autor: Henry Mitrani Reaño
Editorial: Asociación Civil Patronato Lima Tours
Fecha de publicación: 23 de octubre de 2009
Número de páginas: 46
Tamaño: 28.50 x 22.50cm.
Encuadernación con tapa dura.
Tiraje: 1000 ejemplares

Lo genial del proceso de serigrafiado es que al usar pigmentos vinílicos, son mucho más resistentes a la luz (lightfastness) que cuando se imprimen en offset, pudiendo durar sin problemas unos cuantos años a la intemperie.

Esta producción tuvo un tiraje de mas o menos 500 stickers redondos (troquelados) de cada diseño. Y los diseños son una variante inédita (reducida a 2 colores) de dos de mis gráficas más icónicas: mi logo, y el retrato de Anika.

El proyecto stickerbomb

Como no podía pegarlos por estar inmerso en varios proyectos… a comienzos de Abril repartí más de la mitad de stickers entre amistades y conocidos, pensando que alguien seguramente se animará a pegarlo en algún lugar. Pues los stickes finalmente pasaron de mano en mano y comenzaron a ser pegados en diversos lugares de Lima, en varios distritos a la vez.

FEEDBACK
A partir de eso es que creo este espacio para hacer feedback: Que me envíen por email las fotos de los lugares donde hayan visto stickers pegados, ya sean que las mismas personas que envían las fotos los hayan pegado o simplemente viven cerca o pasaron por ahi.

A fines de abril comencé a recibir mails con fotos o avisandome de los lugares donde estaban pegados los stickers que repartí. En algunos casos fui personalmente a tomar las fotos en mis ratos libres.

Hay varios que han sido colokados en teléfonos públicos o postes y no han perdido el color a pesar del sol y del tiempo. Me han comentado también que han visto stickers pegados en buses, en movilidades, en combis, en autos, etc.

OBJETIVO

El objetivo de esto es observar la respuesta de la gente que ve o pega los stickers, y de por lo menos tener un par de stickers pegados en cada distrito de Lima.

Es probable que vaya a sakar un nuevo tiraje (posiblemente 2000 de cada uno) con nuevos diseños, de igual manera en vynil y serigrafiados para terminar de bombardear la ciudad.

a  c  t  u  a  l  i  z  a  d  o ( mayo 10)
Paseando el domingo aprovechando la trankilidad del día, me encontré con más stickers en Miraflores y Barranco.
Incluso me han dicho que han visto stickers pegados en Chorrillos, La Molina y en Centro de Lima.
Apenas tenga algo que hacer por ahi estaré atento con la cámara para tomar más fotos.

A todos los que han ido pegando stickers por toda la ciudad, gracias.
Igual gracias a todos los comentarios del fan Page del Facebook.

Update (13/05/09)

El proceso de hacer un mural

Como siempre, comencé planteando la gráfica en un boceto a lápiz para luego darle forma y color en Illustrator.

Una vez en el lugar, las asesoré en cómo transferirlo a la pared de 1.85 x 1.20 metros de la manera más sencilla: les sugerí que imprimieran un ploteo del arte lineal al tamaño real y, usando la técnica old-school de pasarle carboncillo al reverso de la impresión, lo transferimos a la pared.

El pintado fue un proceso de tres días, en los que solo asistí en los momentos que tenía libre. Primero les mostré cómo comenzar a pintar, luego aplicar el relleno y, finalmente, a tener la paciencia necesaria para dejar secar y seguir aplicando las demás capas de color.

Tenía que dibujar una calavera

Durante esos días, empecé a bocetar un dibujo a un costado del mural, el cual, terminé pintando con látex negro mate. Se trató de una calavera, que luego formaría parte clave de mi colección Zombie-Nation. Pero esa ya es otra historia, que pueden leer aquí.

OJO: Si estás buscando alguien que tenga experiencia pintando murales (los hago aprox desde fines de los 90), dejame un mensaje a través de mi formulario de contacto y agendemos una reunión.

Me sorprendió ver que en uno de sus foros de ilustración, uno de los administradores había abierto un thread con mi nombre, mostrando mi trabajo como artista gráfico para servir de ejemplo a los visitantes de esa comunidad virtual, ya sean de ilustración profesional tanto de índole comercial como personal. Me registré como pude (y porque hasta ese momento desconocía el idioma turco), y añadí un comentario saludando y agradeciendo por tener presente mis ilustraciones al otro lado del planeta.

Increíblemente me contactaron el mismo día para pedirme más ejemplos en diversas técnicas y al ver mi trabajo en gradient mesh, me pidieron por favor que les prepare un tutorial en estos días (el cual ya estoy terminando de hacer).

Hoy mi sorpresa fue aun mayor al entrar a mi cuenta y ver que me ha nombrado miembro honorario permitiéndome publicar tutoriales, y adicionalmente, publicar mi portafolio en su portal.

A pesar que mi comunicación con ellos es completamente en inglés, hay bastantes dificultad ya que no dominan ese idioma, así que de paso aprendo un poquito de Türkçe.

Renzo sana selam söyledi!

Sé que muchos de los que me siguen desde hace años y conocen mi trabajo, saben que uno de mis fuertes son las calaveras, además de los zombies y monstruos, por esa fijación casi obsesiva que tengo desde muy pequeño con las películas de terror, los comics que salían en las revistas del género como Creepy Magazine o Fangoria y el arte de skate de los años 80 (sobretodo el que hace Pushead para la línea de tablas Zorlac) que son parte importante en mis influencias artísticas, así que esta vez decidí regresar a lo que siempre dibujaba en los 90s.

Bueno, si bien las calaveras no suelen tener expresión -a menos que seas un zombie-, una de las cosas más exquisitas del arte y de ser ilustrador es que puedo pasar por alto esta regla y darle este juego de cejas para acentuar su mirada. Como lo que muchas veces se ve en los comics (en Spiderman o Deadpool pueden ver cómo los ojos que supuestamente son aberturas en sus máscaras van cambiando de tamaño para dramatizar sus expresiones).

Esta vez se trata de una calavera juiciosa que te está mirando/juzgando por algún motivo que desconozco, mientras chorrea sangre y pus. Y espero pronto ir desarrollando las demás obras para luego ver qué hago con tanta calavera, jaja!

Algo que deben saber los que recién visitan mi blog, es que mis ilustraciones o gráficas NO son vectorizaciones (imágenes vectorizadas por algún plugin o aplicando la herramienta Trace), todos mis artes son dibujos vectoriales que los realizo a partir de un original a tinta corrigiendo líneas o en algunos casos añadiendo detalles, y todo eso siempre a partir de un boceto o sketch a lápiz. Aquí no hay nada artificial ni creado usado Wacoms o alguna tableta gráfica, no. Lápiz y papel.

Aquí les dejo la versión terminada de See You. usando una paleta de violetas súper sencilla para el fondo, magenta encendido (o fuscia) y un crema/hueso contrastado por un lineart en degradé de tierras a negro.

UPDATE: Finalmente modifiqué el arte de See You para poder aplicarlo en stickers impresos ya sea en offset o mediante la técnica de la serigrafía a 4 colores con tintas vinílicas, sustituyendo los degradés y tonos de color por halftones:

Luego de la aprobación por parte del cliente de la perspectiva, hice un ejemplo de la síntesis de un bombón y la construcción ( modelado) usando la herramienta Gradient Mesh de adobe Illustrator, y ya los demás bombones los realizó Mariella Luque (con quien trabajé este proyecto);  al final pulí algunos detalles para entregarlos al cliente.

1.- Foto-boceto.

2.- Mesh

3.- Ilustración terminada.